第116回目（2020年12月）の課題本

結論から書くと、アート思考は汎用性が高い思考法だと思った。

まず、本書を読む前は「アート」思考と言うぐらいだから、アートに対する思考だと思っていたが、本書を読みアート思考に触れてからは「アート」に対するという限定的な枠付けは相応しくない様に感じた。
なぜならば、CLASS1～6迄で体験した通り、対象に対して1つの限定した視点ではなく様々な視点でものを見ることが大事だからだ。
同時に「アート」＝美術作品という今まで疑問に思わなかった「アートという枠組み」の認識の誤解に気づかされた。
何が「アート」で、何が「アート」じゃないか。
「アート」の定義の正解を見つけるのではなく、答えを創っていく思考へ。
それは物事を自分のモノサシで測り、自分で判断し、答えを創っていくものだということ。
10人いれば10通りの答えの可能性、100人いれば100通りの答えの可能性がある。
別の人の答えを聞いて、さらに新しいものが見つかる可能性もある。
「アート」という言葉一つの表面を取っても、ここまで深い話になるとは、とても面白い。

続いて、なぜアート思考が汎用性の高い思考法だという結論に至ったかに言及すると、様々な場面で応用が可能だからだ。
アート思考の基本定義が
１「自分だけのものの見方」で世界をみつめ
２「自分なりの答え」を生み出し
３「新たな問い」を生み出す
ということだから、これを当てはめてしまえば、様々な場面で応用できる。
抽象的なので、具体への転用もしやすい。

例えば、読書感想文にも応用が可能だ。
読書感想文もアート思考を用いれば、「新たな問い」を生み出せそうだ。
私の感覚では読書も正解を見つけるというよりは答えを創っていく方が近い。
もちろん、正解を見つける読書も時には必要ではあるが、感想文を書く以上は正解を見つけるというよりは答えを創っていく方に近い。
なぜならば、感想文とはその名の通り、感じて想ったことを文章化したものであり、感じて想ったこととは書き手の主観である。
その主観に対して、他人が正解や不正解の決断はできない。
主観に正解や不正解などなく、その人の価値観や見方によるものだからだである。
もちろん、主観なので人それぞれ答えがある。（言論の自由を規制している某国であれば、主観に対する正解や不正解の決断が可能だという例外もあるけども・・・）
10人いれば10通りの答えの可能性、100人いれば100通りの答えの可能性がある。
そう考えると「自分なりの答え」を創っていく方が近いのである。
ただし、「自分なりの答え」のみでは、文章化した際の説得力に欠ける。
上記の主張通り、書き手の主観なので読んだ人全員が納得できるかは別の話だからだ。
そこで客観的な意見を考えることが「新たな問い」につながるのではないか？と思う。
なぜならば、客観的な意見とは主観にはなかった答えが隠れてる可能性があるからだ。
この客観的意見の探し方だが、私は著者が記述している様に『「感じた意見」に対しては「発見した事実」を、そして「事実」に対しては「意見」をアウトプットするというのが、基本的なルールです。（P145）』であると感じた。
「意見」と「事実」を行き来すると、矛盾や疑問点が浮かぶことがあるからだ。
更に言えば、この課題図書ページの様に多数の人の感想を読めることは、新しい発見や問いが生まれることもある。
読書をして、「自分だけのものの見方」から「自分なりの答え」を見つける。
どこからそう思う？そこからどう思う？の問いで「自分なりの答え」を深め「新たな問い」を生み出していく。
さらには、他の人の答えに触れても「新たな問い」を生まれる。
とは言っても、アート思考を用いるのは答えを創り新たな問いを生み出すところまでである。
読書感想文では、その後の文章化で人に伝えられるかどうかが私にとっては課題だ。

以上の様に当感想文では、身近な感想文で具体例を出したが、仕事から育児や私生活等の人生の様々な場面でアート思考は効力を発揮する様に思う。
考えてみれば、人生に正解はないのだから、答え（人生）を創っていくという方が腑に落ちる。
だとすれば、やっぱりアート思考は汎用性が高い思考法である様に感じる。

 

本書を読み、もしかしたら5，6年後、大学入試において、芸術系学部以外で入試科目に「美術」を課す大学が出てくるのではないか？と思った。例えば、ある作品の写真を提示し、その感想を書かせる。あるいはテーマを決めて絵を描かせ、なぜその絵を描いたかのプレゼンテーションを行うなど。

なぜそう思うに至ったかというと、大学の教育内容は多少なりとも社会の要請を受ける部分があり、入試はそれを反映し、今後日本の社会でもアート思考が求められるケースが増えてくるのではないかと感じたからだ。
その先駆けとなるかもしれない事例が今年度(2021年度)入試で行われる。その入試は学科試験に加え、レポートが組み込まれているが、レポートを書くにあたり、スマホやタブレットの使用をOKにしている。その意図として、従来の知識を測るのだけではなく、『知識や経験を「活用・応用する思考力」』を測ることを目的にしている。

本書でも「VUCA」という言葉が出てくるが、それに関連して、論理性以外の感性に関係するような言葉の露出が増えているように感じる。
昨年から今年の課題図書でも「アート・クラフト・サイエンス」や「真･善･美」といった言葉が出てくるものがあり、amazonを覗くとここ2年ほどで「アート」や「西洋美術」といった単語を書名に用いている書籍が増えている。
逆に10年ほど前は書店で多く見かけたロジカルシンキングやクリティカルシンキングといった言葉は、目にする機会が減ったように感じる。
これは、スマホの登場とAIの発達によって、すぐに最適解や正解が求められる状況になっているのが影響しているためでないかと思う。

今回の課題図書では、アート思考がテーマだが、アート思考を『「自分だけの答え」が見つかる』ものとして、その説明に6点の20世紀の現代アートを用いている。それぞれがそれまでの常識だった「遠近法的なものの見方」や「具象物を書くこと」といったものを乗り越えている。
私は「アヴィニョンの娘たち」と「泉」は知っていたが、この作品が当時のアート界に与えた影響とその意味は知らなかったので、今回はその点が(他の4作品もふくめ)学びになった。
おそらく私自身、多くの読者と同じように、「アート」と聞くと西洋絵画や彫刻を思い浮かべ、その作品を製作する技巧面に意識が向くことが多かったので、本書を読むことでアートに対して新たな見方をすることができるようになったように感じる。（読後、箱根の森美術館を訪れ、作品名や説明よりも作品自体をじっくりと味わってきた）


著者は20世紀のアーティスト達が従来の常識にとらわれない作品を作ろうとした動機として、写真の登場を挙げているが、今のビジネスマンにおいて、AIが写真に相当するのではないか。
チェスや将棋といった、差し手が限定されるゲームにおいてはすでに人間に勝つところまできている。RPAという言葉もちょくちょく目にするようになり、今後は製造業の現場だけでなく、オフィスワークの現場にも機械(プログラム)が入ってくるだろう。

写真の登場によって、「人間にできることはなにか？」と問いを立てたアーティストのように、ビジネスマンも同じ問いを自らに課さねばならないようだ。
そのための手段としてのアート思考は確かに有効だと思う。
論理思考やデザイン思考は、すでに問われていることに対する正解を導き出すには有効だろうが、「そもそもその問いで良いの？」というテーマにはなじまない。
逆にアート思考はルールの縛りがきつく、なおかつ簡単にルール変更できない時(例えば簿記会計)には生かしづらい。
アートとサイエンス、あるいは感性と論理は思考の両輪であり、それぞれ得意な分野が異なるので、どちらかが欠落していて今の時代に求められる問題解決はできないだろう。

本書の内容を踏まえて私自身のことを振り返ると、2020年は特定分野(外食産業、健康、サッカー)に偏った読書だったので、「探求の根」が同じ方向ばかりに伸びていたかもしれない。別にバランス良く全方位に伸ばす必要もないとは思うが、2021年は月ごとにテーマを変えて選書しようと考えている。いつ「表現の花」を咲かせるかはわからないが、淡々と「探求の根」を伸ばし続けて生きたい。
その理由は、今の仕事が会計・経理の仕事であることが一つ(会計処理とアート思考はなじまない)。
そして、おそらくはアート思考は即効性を期待するものではないということが一つ。31ページの図では「探求の根」に対して「表現の花」はそのボリュームが小さい。
そして305ページでは、『「常識」や「正解」にとらわれず、「自分の内側にある興味」をもとに、「自分のものの見方」で世界をとらえ、「自分なりの探求」をし続けることが欠かせません。』とある。
本書で紹介されたアーティスト6名も(少なくともピカソは)突然これらの作品を生み出せたわけでなく、それまでの下積みとなるものがあってエポックメイキングな作品を世に出せたのだと思う(デュシャンは展覧会の選考委員になるほどの地位を得たから「泉」を世に出せた)。様々な経験や思考の積み重ねが必要だろう。
くり返しになるが、「興味のタネ」から広く深く「探求の根」を張ることで「表現の花」を咲かせることができると理解したので、すぐには結果を求めずに(まずは)引き続き読書に励みたい。

 

本書は、これまでの美術史において問題提起をしてきた6つの作品を主に説明しながら、それぞれの作品が当時の価値観をどのように揺さぶり、新しい価値観をどう押し広げていったか、その遍歴を解説している。当時のアートの目標は、写実的に、実物を忠実に描くことがゴールとされていた。しかし、カメラが登場してからは、カメラがアートの役割を代替するようになり、アートのそれまでの目的が失われてしまった。当時の芸術家たちはきっと戦々恐々としたことだろう。なぜならば、芸術家たちの仕事がカメラに奪われていったからである。そんな状況をじっと眺めるだけではなく、自分なりの考えと自分なりの表現に使って、アートの常識を覆す作品を生み出していった芸術家たちがいた。そういった芸術家たちの行った、アートの当たり前を壊していった格闘の歴史は刺激的だった。それと同時に、当時の芸術家たちの不安は、サラリーマンの私には他人事には思えなかった。なぜならば、現代のサラリーマンの状況が、当時の芸術家の状況に近しいように思うからだ。

サラリーマンの目的はこれまで、サラリーマンになることがゴールであったように思う。サラリーマンになれば、終身雇用で守れらながら、1つの会社に勤め続けていれば最低でも課長、少し頑張れば部長になり、役職定年になったときには、十分な退職金と年金で豊かな生活が送れたことだろう。だから、できるだけ大きな会社に就職して、そこで安泰に勤め上げることがゴールとされていたと想像する。しかし、世の中はどんどん変化しており、サラリーマンの置かれている状況も変わってきている。たとえば、トヨタの社長は、「終身雇用を続けることは難しくなってきている」といった発言が話題になった。また、東芝やシャープといった大企業が経営難に陥り、身売りをしている。また、これまで退職金は会社がすべて保証していたが、iDeCoなどを使って自己責任で運用する方針になってきている。こうした変化は、会社が、自分の身は自分で守れるようになるべきというシグナルを発信しているのではないと思う。また、極めつけは、AIの進歩によって今後10〜20年後には約半数の仕事がAIに奪われる可能性があるといった研究結果が出てきている。そうした社会的な変化やテクノロジーの進歩によって、これまで良しとされていた価値観が崩れ始めて、サラリーマンとしての仕事がなくなってしまうのではないと思う。こうした社会やテクノロジーの変化により、だんだんと肩身が狭い思いをし始めているサラリーマンが、20世紀の芸術家たちと現代のサラリーマンがとても重複するように思えてならないのだ。だから芸術家に必要とされていたアート思考が、現代のサラリーマンにも必要なのだと思うのである。

では、そんなアート思考を実践するために何をしたらいいかを私の考えをお伝えしたい。それは、最近のメルマガで紹介されていたことだが、本屋に行って書籍のタイトルをずっと眺め続けることが良いと考える。なぜ良いというと、自分の知識の幅の狭さに気付かされるからである。いかに知った気になっていたかを痛感させられるからである。そうして知らないことがたくさんあることを知ると、私の体験では、好奇心を掻き立てられて、どれかを極めてみたいと思ったのである。それはまさに、興味のタネをきっかけに探求の根を広げようとするアート思考の入り口に立ったと言えないだろうか。私は実際に、池袋の大型書店に行って、そこで、数時間ほどタイトルだけずっと確認した。そのとき新鮮な発見があった。それは、ひとつのジャンルをとってみても、より細かいサブジャンルが多数あることに気付いたのである。たとえば、自動車だと、粒度はさまざまだが、プラモデル、サスペンション、エンジン、カーナビ、歴史、スーパーカー、F1、有名人の自伝、アイルトン・セナ、タイヤ、キャンプ、レース、漫画などさまざまあったのだ。幅広いサブジャンルがあることが分かったときに、もっとそれぞれを知りたいと好奇心が掻き立てられたのである。どれかひとつでいいから、そのジャンルを深めたいと思ったのである。深めることによって、どうなるかは分からない。しかし、自分の興味に従って、思うがままに深めてみたいと思ったのである。その体験は本書の言葉を借りれば、アート思考をしたいと思った状況に近いのではないだろうか。その体験はアート思考の入口にたったことだったのではないかと思っているのだ。だから、アート思考の体験の入り口として、本書に行くことをおすすめする。

 

「自分だけの答え」が見つかる13歳からのアート思考　末永幸歩　を読んで

　本著の帯に“大人たちもいま熱狂的に受けたい授業！！”というコメントがあるがアート＝美術がなぜ大人に？と疑問が湧いた。大人に受けているということは仕事でつかえるスキルや思考法が身につくということなのであろうか？美術といえば感覚をつかさどる右脳を使う教科であり、論理をつかさどる左脳が重視される仕事には体育の次くらいに関係が薄い教科に思われるのだが…どういうことなのだろう？

　その疑問に対しては一応、本を開いてすぐの袖の部分に書かれている。「自分のものの見方を持てる人こそが結果を出せる」というものだ。果たしてそうだろうか？確かに巻末に登場するスティーブ・ジョブスのような企業の経営者や組織の上層部に属するエグゼクティブ層には、自分なりの答えから方針を決定し、結果を生み出すことが多いだろう。

　しかし、新入社員や組織の構成員などのルーチンワークに従事する人の場合、職種にもよるだろうが「自分のものの見方」はまず求められないだろう。むしろ逆に上長へ業務報告をする際には、いかに事実ベースで報告を行えるかが非常に重要である。

　私も部下からの報告を受ける際にはどこまでが事実で、どこからが報告者の意見なのかを必ず確認するようにしている。現にマッキンゼーをはじめとする大手コンサル会社では入社してしばらくはファクトベースの報告ができるよう徹底的に指導されるそうだ。実際それができないビジネスパーソンが多いように感じる。「事実」と「意見」を混同した報告を受けると事実誤認からの判断ミスや、状況の再確認に時間がかかることで初動の遅れが発生してしまったりするのだ。

　つまり、そのレベルの社会人に対してはアート思考での「自分のものの見方」の前に「事実」を「事実」としてしっかり捉え認識する能力が求められているのだ。だから、本書の帯書きで山口周氏も“「考える」の前に「観る」がある。「観る」がなければ「考える」もない。”　というコメントを寄せているのだろう。「自分だけの答え」を出すべく考える前に、「事実」をしっかり「事実」として認識できるように観察が必要だということを暗に伝えているのである。

　なお、その「観る」の質を高める有効な方法が本書で紹介されていたアプトプット鑑賞である。この手法は絵画の鑑賞の質が高まるだけでなく、さまざまなワークショップ等でのレビューの作業でも同じやり方が取り入れられている。自分の気づきと他の人の気づきから事実を多面的にとらえることができるのでより事実把握の質が高まるのだ。

　そして、「事実」把握の先にはじめて機能するのが、自分が主観的に感じる「意見」なのだ。事実に基づいていない「意見」「判断」には残念ながら価値は求められない。ただの感覚でしかないからである。そんな困った業務報告ばかり上げがちなビジネスパーソンに対する処方箋がP144の“２つの問いかけ”だ。これは「事実」と「意見」の確認作業を行えるシンプルながらも強力なクエスチョンだ。

　今一度ここで紹介しておくと、以下の２つである。

　　　どこからそう思うのか？➡主観的に感じた「意見」の根拠となる「事実」を問う
　　　そこからどう思うのか？➡作品内の「事実」から主観的に感じた「意見」を問う

　これを繰り返していくと、業務上の報告や意思決定の際も、どこまでが「事実」でどこからが「意見」なのかを自ら認識できるようになる。

　本書の主題である、“興味のタネから発生させた、探求の根を伸ばし、表現の花を咲かせる、アート思考”は非常に重要だが、仕事のキホンのキで求められるのは上記の「事実」把握の能力とそこから意見を導き出す力なのである。


今月も良書を紹介いただきありがとうございました。

 

「自分だけの答え」が見つかる 13歳からのアート思考を読んで

本書は、アート思考を説明した本ではある。
アート思考とは『自分だけの視点」で物事を見て、「自分なりの答え」をつくりだすための作法(Kindle の位置No.103)である。
本書ではその説明をアートに対する既成概念を一つずつ丁寧に壊しながら行っているため、
読了後には、あたかも推理小説を読んでいるような爽快感がある。

私にとって印象的だったのは、アート思考は①自己との対話を通じて世界をみることで、②その思考を深めるためには他人の力が必要であることだ。
以下、この観点からアート思考について検討してみたい。

①については、アート思考ではまず、自身の興味や好奇心や疑問を出発点として世界を見る。
世界を見る方法として、２つの問いかけ「どこからそう思う？」「そこからどう思う？」の有効性が説明されている。

ポイントは、自分が世界を見ているのかを考えることにある。ここでは、他人がどのように見ているのかは考慮の対象外である。あくまでも自分を中心にひたすら自問自答するのである。

さらに、ここでいう世界を見るとは、視覚を通じて世界を見るという意味ではない。
五感すべてを通じて世界を見るというべきだろう。なぜなら、アート思考のアートの定義できないからだ。アートが定義できない以上、アートの対象を限定することができず、したがって、対象は世界をせざるをえず、さらに、アートの対象を把握する方法も限定することができないため、五感とせざるをえないからだ。

本書の中でアートの定義が都度提示されるが、読み進めていくうちに、それらがどんどん壊されていく。
例えば、アートとはリアルさであるという考えが、ヨハネス・フェルメールの牛乳を注ぐ女や
ヘダ・ブィレム・クラースのアビニヨンの娘たちに、視覚的な美しさであるという考えが、デュシヤンの「泉」に、そしてイメージの具体化であるという考えがポロックの「ナンバー１A」により、それぞれ壊されてしまった。

以上より、アート思考とは、自分の五感を通して感じたことを自らの言葉で世界を表現することである。
そこには自分しかできない経験を言語化しているため、オリジナリティがあり、さらに自分の言葉で表現しなおしている意味で世界を自ら再構築しているともいえる。

ここまでで、アート思考を実践するには、他人は必要のような不要のように見える。
アート思考の特徴は自問自答のため、一人で実施可能な気がするが、
本当に他人は不要なのだろうか。

ここで②である。
私はアート思考を実践するためには他人が必要と考える。
なぜなら、一人で自問自答を続けることは困難だとおもうからだ。
どうしても自分の思い込みや知識不足により、すぐに自問自答が止まってしまうからだ。

自身の思い込みや知識不足を解消するためには、どうしても他人との議論が必要である。

ただ、ここでいう議論とは、相手を言い負かすような類のものではない。
自分自身の間違いや思い込みに気づき、それらを修正するための場である。
したがって、いわばディベートのような白熱したものにはならず、淡々と自分の意見を言って
それに対して、どのように感じているのかをフィードバックしてもらうような場になるだろう。

このような場を用意するためには、少なくとも、参加者には、相手がどんな意見を言ったとしても
否定することは許されないといったルールを飲んでもらう必要があるだろう。
どんな意見でも主張することが許される場があって、初めて、自身の本音の意見が言えるからだ。

このように考えてみると、アート思考を実践するには、高いハードルがあるように思う。
現実の社会で実際におこなうことはなかなか難しいだろう。

だからこそ、本書にあるとおり、自身の愛することを見つけ出し、それを軸にして
アート思考を実践する必要がある。
愛するものであれば、他人から否定されようが、それだけではそれを簡単に手放すことはないからだ。

愛するものをみつける。
やはり最終的にはこれが最も重要な点になることを改めて感じてしまった。

今月も興味深い本を紹介していただき、ありがとうございました。

 

『アーティスト』か『花職人』か、今の私が、どちらなのかと問われれば、『花職人』だと答える。本書によると、『アーティスト』とは自分だけのものの見方で自分なりの答えを生み出す人を指し、一方で、『花職人』とは他人が定めたゴールに向かって進んで行く人を指す。また、『アーティスト』と『花職人』の大きく違う点は、自身が持った興味や好奇心、疑問に忠実であるかどうかである。私は自身の持った興味や疑問に忠実ではないし、自分だけのものの見方や答えを持っているわけでもない。故に、私は自身を『花職人』だと思うのだ。しかし、本書を読んで私は思った。今後私は、『アーティスト』になりたいと。なぜならば、自身の興味に忠実な『アーティスト』の生き方のほうが、驚きや感動が多く、断然に楽しそうに見えるからだ。

まず、私は自身の持った興味や好奇心、疑問を放置するタイプである。私は本書を読んで過去に起きたある印象的な出来事を思い出した。それは、昨年上野の国立西洋美術館で、ある写実的に描かれた絵を見た時の事だ。題名こそ忘れたが、その絵は一見写真と見間違える程に写実性の高い作品であった。私は最初にその作品を見た時、目を疑うように驚いたが、次の瞬間にふとある疑問が浮かび上がったのだ。それは、“何で絵にするのだろう？写真で良いのでは？”というものだ。その理由は、本書を読んですぐに分かった。ただ単に、その絵は未だカメラが、世の中に普及する前に描かれたものだったのだ。私がここで言いたいのは、無知が世界を狭くするというようなことではない。私が言いたいのは、なぜ今でも思い出すくらいに印象に残っていた疑問を今まで放置していたのかということである。本書で言えば、“何で絵にするのだろう？写真で良いのでは？”という自分の中に芽生えた疑問や好奇心は、『興味のタネ』に他ならないはずである。そして、『アーティスト』はこのような『興味のタネ』を大切にするのであろう。ただここで、普通はそんな小さな疑問をわざわざ追いかけたりしないのでは？と、思う人もいるだろう。しかし、それが『花職人』の考え方だと思うのだ。なぜならば、“普通”とは一般的、常識などの意味を含む言葉であり、前提に囚われていることを意味するからだ。もしも、今後私が『アーティスト』になるのであれば、“普通”などの前提に囚われることなく、いかに小さくとも自身の持った興味、好奇心、疑問に忠実になるべきだ。想像してみよう。もしも、“何で絵にするのだろう？写真で良いのでは？”を深堀し、カメラの普及と写実画の関係を自ら突き止めていたらどうなっていたか。間違いなく、本書でその事実を知った時以上に、驚き、感動したはずだ。

次に、私が『花職人』だと自身のことを思うのは、『アーティスト』が持つ、自分だけのものの見方で自分なりの答えを生み出すタイプではないからだ。このことが明確に分かったのが、ＣＬＡＳＳ１「『すばらしい作品』ってどんなもの」を私のやり方にアレンジして実践した時である。私のやり方とは、『すばらしい作品』を“すばらしい自分”に置き換えて、「“すばらしい自分”ってどんなもの」にして考えたのである（ちなみに、ここでの“自分”とは客体として見たモノである）。そもそもなぜ、『作品』と“自分（客体）”を置き換えたかと言うと、これら2つには、目に見える部分と目に見えない部分があるという共通点があり、自分自身が『アーティスト』なのか『花職人』かを判断する上で有効だと考えたからだ。まず、本書によれば『作品』には目に見える部分と目に見えない部分がある。目に見える部分とは、作品そのものであり、姿、形、色使い、画材等の部分である。一方で、『作品』の目に見えない部分とは、『作品』ができるまでの過程にあたり、『作品』の背景にある、どのようにアイデアを得て、どのようにコンセプトを考えたかという所謂アート思考である。次に、“自分（客体）”にも目に見える部分と目に見えない部分があると私は考える。目に見える部分とは、その人の、容姿、年収、健康、人間関係等の表面的、具体的、客観的、一時的に確認できる部分である。他方で、“自分（客体）”の目に見えない部分とは、ある時点までの“自分（客体）”を形成した過程であり、どのような価値観や思想の変遷を経てきたのか、そこに辿り着くまでにどのような行動習慣を重ねてきたか等である。『アーティスト』であるマティスは、ＣＬＡＳＳ１「『すばらしい作品』ってどんなもの」の中で、目に見えない部分であるアイデアやコンセプトを重視して、自分だけのものの見方で自分なりの答えを生み出して、結果として斬新な『作品』、《緑のすじのあるマティス夫人の肖像画》を描いた。一方で、私が「“すばらしい自分”ってどんなもの」と考えた時に出てくるのは、目に見える部分である容姿、年収、健康、人間関係等ばかりなのだ。これら目に見える部分が、確固たる価値観や思想、行動習慣という目に見えない部分の上にあるのならば良いのだが、私の場合はそうとは言えず、世間体に良い容姿、世間で言われる良い年収等を基準にしてしまっているのである。要するに、自分だけのものの見方で自分なりの答えを生み出していないのだ。もしも、今後私が『アーティスト』を目指すのであれば、自分の見えない部分である価値観や思想、行動習慣にもっと意識を向けるべきだろう。


～終わり～

 

ハンドルネーム：keiji0707

　この作品は、私に自分のものの見方を持つことの大切さを考えるきっかけを与えてくれるとともに、苦い学生生活を思い出させた。
　学生時代、私はテストで良い点数を取ること、受験に勝つことが社会で認められる最重要の評価基準であると考えていた。一方、答えがはっきりしない美術は受験勉強に不要で、時間の無駄だと切り捨てた。
　また、周囲と異なる考え方や行動は、数奇な目で見られるとの不安や恐れから、周囲に歩調を合わせて生きてきた。このような均質的な生き方に何の違和感や疑問を抱かない状況は大学生活も続いた。
　自ら課題を設定し解決する学びの場の大学に身を置きながら、答えのある課題に慣れ切った私は、その枠組みから外に出ることができなかった。単位を取得することが目的となり、大学での４年間が過ぎ去ってしまった。
　本作品で説く『自分だけのものの見方で世界を見つめ、自分だけの答えを生み出し、それによって新たな問いを生み出す』という一連の作業は、これまでの私の人生において、無意識に避けてきた取り組みである。
　自分だけのものの見方を身につけるためには、自分と向き合わなければならない。これまで深く自問自答したことがない私にとって、真正面から自分と向き合うことは恐怖であり孤独である。
　鬱々とした考えを巡らす中で、自分と向き合わず、安穏とした人生を過ごしていてはまずいという思いが、この１年で強く沸き起こった。このような思いに至った原因は、様々な方向に急速に変化する情報化社会と新型コロナウイルス感染症の拡大をきっかけとした働き方の変化によるものだ。
　情報化社会の進展により、世界中のあらゆる出来事や情報が即座に入手することができるようになったし、情報端末を片手に24時間いつでもどこでも手に入れることが可能となった。確かに便利になったが、その半面、習得すべき知識や情報量が膨大になってしまった。習得したと思ったら、半年後や１年後には、さらに新しい知識や情報が登場する。学生時代に学んだ知識は過去の遺物となり、さらに新しい知識を詰め込まなければならない。加速度的に登場する知識や情報を詰め込むことは、もはや不可能である。
　このような変化の激しい社会では、自分の内面としっかり向き合い、情報に左右されないぶれない根っこを育てる必要がある。そして、自身の内面から発出されたものを創造していくことが求められるだろう。時間は掛かるであろうが、自分の根っこをしっかりと大きく育てていくことが肝要である。また、知識をどのように活用するか応用するかが重要となってくる。
　今年は、新型コロナウイルス感染拡大をきっかけに、在宅ワークでの働き方に切り替える企業が増えた。在宅勤務を経験して、仕事は、必ずしも会社でする必要がないことが分かってきた。
　働き方改革を進める企業にとって、新型コロナウイルス感染拡大が終息した後も、在宅ワークに一定の割合で切り替えるのではないだろうか。　
　在宅ワークが導入されると、個人の成果がより一層顕著に表れる。一定期間ごとに取り組んだ成果物を会社に提出することが求められる。個々人により、成果物の完成度や精度の差がより一層際立ってしまい、能力の差が客観的に判断されてしまうからだ。
　これからの社会では、特色のない成果物は評価されなくなるだろう。特色のない成果物はすぐに代替されてしまうからだ。そうならないためにも、いかに自分の根っこをしっかりと育てるか、自分の内面に向き合っていくことが大切だ。根っこを大きく育てられれば、自分しか創造できない成果物を創出することができるのだ。
　私にとって、答えが見つかるかどうか分からない根っこを探すことは、答えがない問題に取り組むようなものだ。途中で挫折したり、模索を繰り返すことになるだろう。しかし、変わることにこそ意味があり、変わることを恐れてはいけない。
　私は、この作品から勇気づけるメッセージをたくさん頂いた。得た知識をどう活かすか、あとは行動あるのみだ。

著者が国公立の中学・高校の美術教師であること、好きな科目の調査結果が日本の小・中学生対象であると文脈から推測できる事から、本書の内容は“日本人”の問題点や課題に対する提言が前提になっていると考えられる。従って著者が主張する『美術はいま大人が最優先で学び直す科目である』という点、これからの未来を担う子供達がアート思考を身に付ける必要があるという点
は“日本人の大人・子供”へのメッセージと捉えられる。私自身もアート思考の不足が昨今の日本の競争力鈍化の1つの要因になっていると考えているため著者の主張には非常に共感した。
一方で、本書を読んだ全国の日本人の方の中には、共感できなかったり、なぜ“日本人”にフォーカスされているのか、アート思考はどう使うのか咀嚼しきれなかった方も少なくないのではないだろうか。

本書に記載の「表現の花」「興味のタネ」「探究の根」という考え方を意識してアート思考で美術に向き合うことは確かに重要であり有益である。しかしながら、これだけでは“日本人“には理解し難い部分があると考える。本書を読んでも日本人がアート思考の領域を深く・正しく理解し難いと思われる理由は2点ある。

1点目は用語のゆらぎである。本書では美術とアートが対となって使われている箇所があるが、欧米的な理解では美術はFine artと対になるべきもので、Fine artとArtは別のことを指す。英英辞典を読むと分かるが“美しい”という要素はFine artにしかなくArtは造形物を指している。この用語のゆらぎが正しいアート思考の理解への障害の1つになっていると考える。

2点目は用語の定義と背景情報の理解が足りない点である。1点目の用語のゆらぎとも関連するが、Artという定義の説明に不足がある。日本語のアートは和訳の過程で複数の要素を合算したと思われるため、アートという言葉を複数の意味で便利に使い回すことは間違いではないが、日本人に限定した場合Artの意味とその背景情報を正しく理解できていない人が多数いるためアート思考が根付き難いという点は知っておく必要があるように感じる。欧米におけるArtの定義はThings human madeであり、Artの反対にあるものはNature=Things God madeとなる。つまり世界は大きく二分して捉えられており、一方は「人間が造ったものの領域=Art」でありもう一方は「人間以外が創った領域=神が創った領域=Nature」として欧米では整理されKindergartenの頃から教えられている。つまり本書にある「表現の花」はArtの領域で起こるものであり、「興味のタネ」と「探究の根」はNatureの領域で起こるものになる。欧米のビジネスエリートが美術館に通ったり、美術品のディスカッションプログラムに参加する情報が日本にも入ってきているが、彼らがこのような美術品に向き合うのは、Artの領域にある既に完成した「表現の花」から「興味のタネ」「探究の根」をどう繋げたのかというプロセスを思考し蓄積させることで、その蓄積を今度はビジネスの領域で、Natureの領域にある「探究の根」から「興味のタネ」を見つけ、Output or Deliverableである「表現の花」の生成に応用しようとしているからである。つまりアート思考には2種類あり、既に完成品として存在する「表現の花」からその経緯を辿っていく思考と、その思考を応用して不確実性が高く常に変化しているNatureの領域から「自分のものの見方」を使ってArtの領域に造形物や結果や製品を引き出してくるプロセスが存在する。

日本人がアート思考できない本質は根深い。日本と欧米の小学生の算数の問題の違いで、日本は「5+5=□」のような問題が多いが欧米では「□+□=10」のような問題が多いという例が取り上げられる事がある。これもアート思考のベースとなるArtとNatureの考え方があるかどうかに起因する。不確実性の高いNatureの領域で算数を考えれば自ずと答えは無限にあるため「□+□=10」という問題が生まれ、「Nature=
人間以外が創った領域」で算数を解くという発想そのものが存在しない日本では「5+5=□」という結果が固定された発想しか生まれてこない。日本以外の全ての欧米諸国がArtとNatureの考え方を持っている訳ではないが教育体系の基礎にリベラルアーツを持つ国では宗教などに寄らずこのArtとNatureの考え方が理解できる。

恐らく著者はArtとNatureという世界を二分する考え方が分かった上で本書を執筆したと思うが、美術嫌いの日本の子供達が美術に力点を置くようになったり、今まで美術に見向きもしなかった日本の多数の大人たちが劇的に美術に目を向けて行くためには本書の1段下のレイヤーに欧米のスタンダードであるArtとNatureの考え方を言語化して記載した方がよりアート思考の重要性と理解度が深まるのではないかと感じた次第。

 

著者が国公立の中学・高校の美術教師であること、好きな科目の調査結果が日本の小・中学生対象であると文脈から推測できる事から、本書の内容は“日本人”の問題点や課題に対する提言が前提になっていると考えられる。従って著者が主張する『美術はいま大人が最優先で学び直す科目である』という点、これからの未来を担う子供達がアート思考を身に付ける必要があるという点
は“日本人の大人・子供”へのメッセージと捉えられる。私自身もアート思考の不足が昨今の日本の競争力鈍化の1つの要因になっていると考えているため著者の主張には非常に共感した。
一方で、本書を読んだ全国の日本人の方の中には、共感できなかったり、なぜ“日本人”にフォーカスされているのか、アート思考はどう使うのか咀嚼しきれなかった方も少なくないのではないだろうか。

本書に記載の「表現の花」「興味のタネ」「探究の根」という考え方を意識してアート思考で美術に向き合うことは確かに重要であり有益である。しかしながら、これだけでは“日本人“には理解し難い部分があると考える。本書を読んでも日本人がアート思考の領域を深く・正しく理解し難いと思われる理由は2点ある。

1点目は用語のゆらぎである。本書では美術とアートが対となって使われている箇所があるが、欧米的な理解では美術はFine artと対になるべきもので、Fine artとArtは別のことを指す。英英辞典を読むと分かるが“美しい”という要素はFine artにしかなくArtは造形物を指している。この用語のゆらぎが正しいアート思考の理解への障害の1つになっていると考える。

2点目は用語の定義と背景情報の理解が足りない点である。1点目の用語のゆらぎとも関連するが、Artという定義の説明に不足がある。日本語のアートは和訳の過程で複数の要素を合算したと思われるため、アートという言葉を複数の意味で便利に使い回すことは間違いではないが、日本人に限定した場合Artの意味とその背景情報を正しく理解できていない人が多数いるためアート思考が根付き難いという点は知っておく必要があるように感じる。欧米におけるArtの定義はThings human madeであり、Artの反対にあるものはNature=Things God madeとなる。つまり世界は大きく二分して捉えられており、一方は「人間が造ったものの領域=Art」でありもう一方は「人間以外が創った領域=神が創った領域=Nature」として欧米では整理されKindergartenの頃から教えられている。つまり本書にある「表現の花」はArtの領域で起こるものであり、「興味のタネ」と「探究の根」はNatureの領域で起こるものになる。欧米のビジネスエリートが美術館に通ったり、美術品のディスカッションプログラムに参加する情報が日本にも入ってきているが、彼らがこのような美術品に向き合うのは、Artの領域にある既に完成した「表現の花」から「興味のタネ」「探究の根」をどう繋げたのかというプロセスを思考し蓄積させることで、その蓄積を今度はビジネスの領域で、Natureの領域にある「探究の根」から「興味のタネ」を見つけ、Output or Deliverableである「表現の花」の生成に応用しようとしているからである。つまりアート思考には2種類あり、既に完成品として存在する「表現の花」からその経緯を辿っていく思考と、その思考を応用して不確実性が高く常に変化しているNatureの領域から「自分のものの見方」を使ってArtの領域に造形物や結果や製品を引き出してくるプロセスが存在する。

日本人がアート思考できない本質は根深い。日本と欧米の小学生の算数の問題の違いで、日本は「5+5=□」のような問題が多いが欧米では「□+□=10」のような問題が多いという例が取り上げられる事がある。これもアート思考のベースとなるArtとNatureの考え方があるかどうかに起因する。不確実性の高いNatureの領域で算数を考えれば自ずと答えは無限にあるため「□+□=10」という問題が生まれ、「Nature=
人間以外が創った領域」で算数を解くという発想そのものが存在しない日本では「5+5=□」という結果が固定された発想しか生まれてこない。日本以外の全ての欧米諸国がArtとNatureの考え方を持っている訳ではないが教育体系の基礎にリベラルアーツを持つ国では宗教などに寄らずこのArtとNatureの考え方が理解できる。

恐らく著者はArtとNatureという世界を二分する考え方が分かった上で本書を執筆したと思うが、美術嫌いの日本の子供達が美術に力点を置くようになったり、今まで美術に見向きもしなかった日本の多数の大人たちが劇的に美術に目を向けて行くためには本書の1段下のレイヤーに欧米のスタンダードであるArtとNatureの考え方を言語化して記載した方がよりアート思考の重要性と理解度が深まるのではないかと感じた次第。

 

「自分だけの答え」が見つかる　13歳からのアート　末永幸歩著　を読んで

私のこの本を読んだ感想を端的にまとめると、

アートとは、「美術=美の技術でなく、=自分の考え」であり、そして、その考えは「自由」である。
また、アートは「自分の考えを深く考えることであり、一つの表現方法」なのだと学んだ。

今回、以下の3点で自分なりに考えた。
①この本から学んだこと
②少し深く考えてみたこと
③自分のことに置き換えて考えてみたこと
これらの視点で、以下に書いてみる。

①この本から学んだこと

アートの訳をネットで探してみたところ、芸術・美術であり、私もそのように解釈していた。しかし、作者がここで言うアートは違う。この本の中で、一般的な例で書いてある解釈と同じく、私自身も今まで学校で習ってきた名画、それが芸術なのだ、と思っていたが、それはどうも違うとのことである。どうやら、それは目に見えている一部であるとしている。目に見える部分は表現の一部であり、花に例えると咲いている花の部分が見えているだけ。しかし、花の部分だけでなく、葉っぱや茎もあり、更に地面の中の根の部分は見えないが、もっと大きく貴重な存在。それをどこまで深く掘り下げるか、しっかりした根があるため、地面の上で咲いている花になる。絵で例えると、絵は見えるところで表現されているが、表現されていない見えない奥深く掘り下げたものがあって、それが目に見える表現に繋がっているとのことである。如何に深く掘り下げたものがあるか、それが表面では所謂味わいになるのであろう。私自身、アートに対して浅はかな解釈であり、如何に表面しか見ていなかったと思った。見る視点、考える視点によって、こんなにも変わり、そして奥の深さにビックリした。今回この本で、ちょっとしたキッカケをもらうと、見方、考え方が変わるものだと思った。

②少し深く考えてみたこと
ところで、アート= 芸術と考えていたため、作者が例に上げていたように、私も絵とはリアルなものが良いと思っていた。しかし、今回読んでみて、奥を考えてみた。人はリアルに見ていても、考える脳の中では必ずしもリアルではない。例えとして、マンガ絵を取り上げてみる。マンガは実際のリアルからはズレている。しかし、その方がわかることも多い。むしろ、頭の中はリアルな現実よりも抽象的なものの方がわかる場合やしっくりくることがよくある。それが、マティスやピカソの絵であろう。その方が感覚にしっくり来るのであろう。
ところで、カメラによって肖像画のようなリアルな絵を描く職人の仕事が奪われたとあったが、現在の産業の歴史も似たところがある。産業革命によって、動力が機械になり、人力が奪われた。次に、計算機ができ、PCができ、経理の仕事が奪われた。ATMやオンラインにより金額処理の仕事も奪われた。更に、次はAIによって、様々な仕事も奪われていくであろう。しかし、本当に何もかもの仕事が奪われていくのだろうか。今回のアートのように、何らかの生き残ることがあるのであろう。それがマンガ絵のような抽象的な域であり、イメージをして繋いでいく人間の脳の力だと思う。

③自分のことに置き換えて考えてみたこと
次に、普段の私の生活にアートを当てはめてみた。
考えてみると、今の私がやっている仕事もアートなのであろう。しょ〜おん先生のセミナーでも、仕事をアートに考えること、とあった。どうやって表現するか。何も絵画のキャンパスだけが、表現するキャンパスだけではない。仕事の場も同じキャンパス。どうやって自分を表現するかである。テレビでダルビッシュが表現方法が変化球と言っていた。この言葉が私にとって、とてもしっくりきた。自分の場合は、どうなのであろうか。表現の場と思っているのだろうか。楽して、お金を得ることが、得だと思っているのではないだろうか。まだまだ深く考えることができるのではないか。アートにできることはないだろうか。
私の仕事は、もう少し具体的に言うと、工場の生産性を上げる仕事に携わっている。人のやっている仕事を改善したり、合理化することにより、生産性を上げることが仕事である。工場の生産性を上げる具体的なは自動化したり、ロボットを使ったりして、人のやる仕事を削減している。人のやる仕事を減らすことが、正であるのであるが、本当にゼロにはできない。ここで今回のアートの観点で考えてみると、工場の生産性を無機物として考えるのでなく、アート=考え、として捉えると、まだまだ人間の仕事なのであろう。そう、工場もアートとして考えることができるはず。それを考えていくこと、見続けることができるのが、私の使命なのだと思った。そして、私らしさを考えて、自分の仕事の表現につなげていきたい。

以上、しょ〜おん先生には、今回も良い本を紹介して頂き、そして考える機会を与えて頂き、ありがとうございました。

 

「自分だけの答え」が見つかる　13歳からのアート　末永幸歩著　を読んで

私のこの本を読んだ感想を端的にまとめると、

アートとは、「美術=美の技術でなく、=自分の考え」であり、そして、その考えは「自由」である。
また、アートは「自分の考えを深く考えることであり、一つの表現方法」なのだと学んだ。

今回、以下の3点で自分なりに考えた。
①この本から学んだこと
②少し深く考えてみたこと
③自分のことに置き換えて考えてみたこと
これらの視点で、以下に書いてみる。

①この本から学んだこと

アートの訳をネットで探してみたところ、芸術・美術であり、私もそのように解釈していた。しかし、作者がここで言うアートは違う。この本の中で、一般的な例で書いてある解釈と同じく、私自身も今まで学校で習ってきた名画、それが芸術なのだ、と思っていたが、それはどうも違うとのことである。どうやら、それは目に見えている一部であるとしている。目に見える部分は表現の一部であり、花に例えると咲いている花の部分が見えているだけ。しかし、花の部分だけでなく、葉っぱや茎もあり、更に地面の中の根の部分は見えないが、もっと大きく貴重な存在。それをどこまで深く掘り下げるか、しっかりした根があるため、地面の上で咲いている花になる。絵で例えると、絵は見えるところで表現されているが、表現されていない見えない奥深く掘り下げたものがあって、それが目に見える表現に繋がっているとのことである。如何に深く掘り下げたものがあるか、それが表面では所謂味わいになるのであろう。私自身、アートに対して浅はかな解釈であり、如何に表面しか見ていなかったと思った。見る視点、考える視点によって、こんなにも変わり、そして奥の深さにビックリした。今回この本で、ちょっとしたキッカケをもらうと、見方、考え方が変わるものだと思った。

②少し深く考えてみたこと
ところで、アート= 芸術と考えていたため、作者が例に上げていたように、私も絵とはリアルなものが良いと思っていた。しかし、今回読んでみて、奥を考えてみた。人はリアルに見ていても、考える脳の中では必ずしもリアルではない。例えとして、マンガ絵を取り上げてみる。マンガは実際のリアルからはズレている。しかし、その方がわかることも多い。むしろ、頭の中はリアルな現実よりも抽象的なものの方がわかる場合やしっくりくることがよくある。それが、マティスやピカソの絵であろう。その方が感覚にしっくり来るのであろう。
ところで、カメラによって肖像画のようなリアルな絵を描く職人の仕事が奪われたとあったが、現在の産業の歴史も似たところがある。産業革命によって、動力が機械になり、人力が奪われた。次に、計算機ができ、PCができ、経理の仕事が奪われた。ATMやオンラインにより金額処理の仕事も奪われた。更に、次はAIによって、様々な仕事も奪われていくであろう。しかし、本当に何もかもの仕事が奪われていくのだろうか。今回のアートのように、何らかの生き残ることがあるのであろう。それがマンガ絵のような抽象的な域であり、イメージをして繋いでいく人間の脳の力だと思う。

③自分のことに置き換えて考えてみたこと
次に、普段の私の生活にアートを当てはめてみた。
考えてみると、今の私がやっている仕事もアートなのであろう。しょ〜おん先生のセミナーでも、仕事をアートに考えること、とあった。どうやって表現するか。何も絵画のキャンパスだけが、表現するキャンパスだけではない。仕事の場も同じキャンパス。どうやって自分を表現するかである。テレビでダルビッシュが表現方法が変化球と言っていた。この言葉が私にとって、とてもしっくりきた。自分の場合は、どうなのであろうか。表現の場と思っているのだろうか。楽して、お金を得ることが、得だと思っているのではないだろうか。まだまだ深く考えることができるのではないか。アートにできることはないだろうか。
私の仕事は、もう少し具体的に言うと、工場の生産性を上げる仕事に携わっている。人のやっている仕事を改善したり、合理化することにより、生産性を上げることが仕事である。工場の生産性を上げる具体的なは自動化したり、ロボットを使ったりして、人のやる仕事を削減している。人のやる仕事を減らすことが、正であるのであるが、本当にゼロにはできない。ここで今回のアートの観点で考えてみると、工場の生産性を無機物として考えるのでなく、アート=考え、として捉えると、まだまだ人間の仕事なのであろう。そう、工場もアートとして考えることができるはず。それを考えていくこと、見続けることができるのが、私の使命なのだと思った。そして、私らしさを考えて、自分の仕事の表現につなげていきたい。

以上、しょ〜おん先生には、今回も良い本を紹介して頂き、そして考える機会を与えて頂き、ありがとうございました。

 

「自分だけの答え」が見つかる　13歳からのアート　末永幸歩著　を読んで

私のこの本を読んだ感想を端的にまとめると、

アートとは、「美術=美の技術でなく、=自分の考え」であり、そして、その考えは「自由」である。
また、アートは「自分の考えを深く考えることであり、一つの表現方法」なのだと学んだ。

今回、以下の3点で自分なりに考えた。
①この本から学んだこと
②少し深く考えてみたこと
③自分のことに置き換えて考えてみたこと
これらの視点で、以下に書いてみる。

①この本から学んだこと

アートの訳をネットで探してみたところ、芸術・美術であり、私もそのように解釈していた。しかし、作者がここで言うアートは違う。この本の中で、一般的な例で書いてある解釈と同じく、私自身も今まで学校で習ってきた名画、それが芸術なのだ、と思っていたが、それはどうも違うとのことである。どうやら、それは目に見えている一部であるとしている。目に見える部分は表現の一部であり、花に例えると咲いている花の部分が見えているだけ。しかし、花の部分だけでなく、葉っぱや茎もあり、更に地面の中の根の部分は見えないが、もっと大きく貴重な存在。それをどこまで深く掘り下げるか、しっかりした根があるため、地面の上で咲いている花になる。絵で例えると、絵は見えるところで表現されているが、表現されていない見えない奥深く掘り下げたものがあって、それが目に見える表現に繋がっているとのことである。如何に深く掘り下げたものがあるか、それが表面では所謂味わいになるのであろう。私自身、アートに対して浅はかな解釈であり、如何に表面しか見ていなかったと思った。見る視点、考える視点によって、こんなにも変わり、そして奥の深さにビックリした。今回この本で、ちょっとしたキッカケをもらうと、見方、考え方が変わるものだと思った。

②少し深く考えてみたこと
ところで、アート= 芸術と考えていたため、作者が例に上げていたように、私も絵とはリアルなものが良いと思っていた。しかし、今回読んでみて、奥を考えてみた。人はリアルに見ていても、考える脳の中では必ずしもリアルではない。例えとして、マンガ絵を取り上げてみる。マンガは実際のリアルからはズレている。しかし、その方がわかることも多い。むしろ、頭の中はリアルな現実よりも抽象的なものの方がわかる場合やしっくりくることがよくある。それが、マティスやピカソの絵であろう。その方が感覚にしっくり来るのであろう。
ところで、カメラによって肖像画のようなリアルな絵を描く職人の仕事が奪われたとあったが、現在の産業の歴史も似たところがある。産業革命によって、動力が機械になり、人力が奪われた。次に、計算機ができ、PCができ、経理の仕事が奪われた。ATMやオンラインにより金額処理の仕事も奪われた。更に、次はAIによって、様々な仕事も奪われていくであろう。しかし、本当に何もかもの仕事が奪われていくのだろうか。今回のアートのように、何らかの生き残ることがあるのであろう。それがマンガ絵のような抽象的な域であり、イメージをして繋いでいく人間の脳の力だと思う。

③自分のことに置き換えて考えてみたこと
次に、普段の私の生活にアートを当てはめてみた。
考えてみると、今の私がやっている仕事もアートなのであろう。しょ〜おん先生のセミナーでも、仕事をアートに考えること、とあった。どうやって表現するか。何も絵画のキャンパスだけが、表現するキャンパスだけではない。仕事の場も同じキャンパス。どうやって自分を表現するかである。テレビでダルビッシュが表現方法が変化球と言っていた。この言葉が私にとって、とてもしっくりきた。自分の場合は、どうなのであろうか。表現の場と思っているのだろうか。楽して、お金を得ることが、得だと思っているのではないだろうか。まだまだ深く考えることができるのではないか。アートにできることはないだろうか。
私の仕事は、もう少し具体的に言うと、工場の生産性を上げる仕事に携わっている。人のやっている仕事を改善したり、合理化することにより、生産性を上げることが仕事である。工場の生産性を上げる具体的なは自動化したり、ロボットを使ったりして、人のやる仕事を削減している。人のやる仕事を減らすことが、正であるのであるが、本当にゼロにはできない。ここで今回のアートの観点で考えてみると、工場の生産性を無機物として考えるのでなく、アート=考え、として捉えると、まだまだ人間の仕事なのであろう。そう、工場もアートとして考えることができるはず。それを考えていくこと、見続けることができるのが、私の使命なのだと思った。そして、私らしさを考えて、自分の仕事の表現につなげていきたい。

以上、しょ〜おん先生には、今回も良い本を紹介して頂き、そして考える機会を与えて頂き、ありがとうございました。

 

「自分だけの答え」が見つかる13歳からのアート思考 末永幸歩　を読んで

私は美術館に行くのが好きですが、著者の
「「鑑賞」のためというよりも作品情報と実物を照らし合わせる「確認作業」のために美術館に行っていたようなもの」という言葉にはっとさせられました。

かつて理由はよくわからないけれど、鳥肌がたつほどの感動や、その場で吸い込まれるように動けなくなる作品に出合うことがありましたが、
「上面だけを撫でてわかった気になり、大事なことを素通りしてしまっている」
自分がいたように思います。

そしてせっかく貴重な震えるほどの感動を味わえても、うまく表現できないし深堀して自分だけの答えを見つけるまでには至っていませんでした。


この本を読んで、今まで私に身についていなかった思考アーティストになりたい自分を再認識しました。
「「興味のタネ」を自分の中に見つけ、「探求の根」をじっくりと伸ばし、ある時に独自の「表現の花」を咲かせる人。」

事前に自身が持ち合わせた情報や、一方方向からの視点、に頼るのではなく、
事前情報や常識にとらわれない思考。
多方向、上下など空間的思考。
そして粘り強く探求心の根を張ること。

振り返るとこれまでの私は仕事で花職人を目指してしまうことばかりでした。
というより、それが当たり前だとさえ思っていました。

会社で与えてもらった種をもらい、管理された環境下で、枯れないように咲かせることに迷いも不安も躊躇もありませんでした。

それが良いのか悪いのかは人それぞれ。
どちらの立場で花を咲かせたいのかは自身で選ぶことができるのです。

私は人生の転機を迎えるタイミングで、運よくこの本に出会いました。
「自分のものの見方」「自分なりの答え」を深堀する「アート思考」という思考法はこれから身に着けたい習慣の1つです。今から実践して私という花を楽しみに根を張っていきたいと思います。